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O Grito, Petróleo por Edvard Munch (1863-1944, Norway)

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O Grito, Petróleo por Edvard Munch (1863-1944, Norway)
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"O Grito"

Edvard Munch - Petróleo - 91 x 73 cm - 1893 - (National Gallery (Oslo, Norway))

o grito ( Norueguês : Skrik ) é o popular nome dado para cada um dos quatro versões de um composição , criado como ambos pinturas e pastéis , pelo Expressionista luscious edvard munch entre 1893 e 1910 . der schrei der natur ( o grito da natureza ) é o título munch deu para estes trabalho , tudo de qual programa uma figurativo com uma agonizado expressão contra um paisagem com uma tumultuoso céu alaranjado . A paisagem no fundo é o Oslofjord , visto a partir de Ekeberg , Oslo , Noruega . edvard munch criado os quatro versões em vários meios de comunicação . o nacional Galeria , Oslo , detém um de dois pintado versões ( 1893 , mostrado à direita ) . o Munch Museu detém o outra pintada versão ( 1910 , achar galeria ) e um pastel versão a partir de 1893 . Estes três versões não tem viajei por anos . O quarto versão ( pastel , 1895 ) foi vendido para $119 , 922 , 600 na Sotheby's Impressionista e moderno leilão de arte sobre 2 Maio 2012 para financiador leon Preto , o mais alto nominal preço pago para um pintura na almoeda . A pintura é de na tela no Museu de arte moderna em novo Iorque para seis meses a partir de Outubro 2012 para março 2013 . Também 1895 , Munch criado uma litógrafo pedra do imagem . Do litógrafo as impressões produzidas em Munch , vários exemplos sobreviver . Apenas cerca de quatro dúzia as impressões eram feito antes de original de pedra foi ressurgiu pelo impressora polegadas Munch's ausência . o grito foi o alvo de várias high-profile roubos de arte . Polegadas 1994 , a versão no galeria nacional foi roubado . Ele era recuperado vários meses mais tarde . Polegadas 2004 , tanto o Gritar e Madona foram roubado do Munch Museu , e recuperado dois anos mais tarde .



 
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Edvard Munch (pronúncia norueguesa:, 12 de dezembro de 1863 - 23 de Janeiro de 1944) foi um pintor simbolista norueguês printmaker, e um importante precursor da arte expressionista. Sua composição mais conhecida, O Grito, é parte de uma série The Frieze of Life, em que Munch explorou os temas da vida, amor, medo, morte, melancolia e.

Infância

Edvard Munch nasceu em uma fazenda rústica na aldeia de Ådalsbruk em Løten, Noruega para Christian Munch, o filho de um sacerdote. Christian era um oficial médico e médicos que se casou com Laura Cathrine Bjølstad, uma mulher de metade de sua idade, em 1861. Edvard tinha uma irmã mais velha, Johanne Sophie (nascido em 1862), e três irmãos mais novos: Peter Andreas (nascido em 1865), Laura Cathrine (nascido em 1867), e Inger Marie (nascida em 1868). Sophie e Edvard parecem ter herdado o talento artístico de sua mãe. Edvard Munch foi relacionado ao pintor Jacob Munch (1776-1839) eo historiador Peter Andreas Munch (1810-1863).

A família mudou-se para Kristiania (agora Oslo), em 1864, quando Christian Munch foi nomeado diretor médico em Fortaleza de Akershus. Edvard mãe morreu de tuberculose em 1868, como fez Munch favorito irmã Sophie Johanne em 1877. Após a morte de sua mãe, os irmãos Munch foram criadas pelo pai e por sua tia Karen. Muitas vezes mal durante grande parte do inverno e mantidos fora da escola, Edvard atrairia para se manter ocupada, e recebeu aulas de seus colegas de escola e sua tia. Christian Munch também instruiu seu filho na história e literatura, e entreter as crianças com histórias de fantasmas vivas e contos de Edgar Allan Poe.

Comportamento positivo cristã para com os seus filhos, no entanto, foi ofuscado por seu pietismo mórbida. Munch escreveu: "Meu pai era de temperamento nervoso e obsessivamente religiosa, a ponto de psiconeurose. Eu herdei dele a semente da loucura. Os anjos de medo, tristeza e morte ficou ao meu lado desde o dia em que nasci. "Christian repreendeu seus filhos dizendo-lhes que sua mãe estava olhando para baixo do céu e luto sobre seu mau comportamento. O ambiente opressivo religiosa, saúde precária, mais Edvard e as histórias de fantasmas vivos, ajudou a inspirar visões macabras e pesadelos em Edvard, que sentiu a morte constantemente avançando sobre ele. Uma das irmãs mais novas de Munch foi diagnosticado com a doença mental em uma idade adiantada. Dos cinco irmãos só Andreas casado, mas ele morreu poucos meses após o casamento. Munch escreveria mais tarde: "Eu herdei dois dos mais terríveis inimigos da humanidade, a herança de consumo e de insanidade."

Christian Munch pagar militar foi muito baixa, e suas tentativas de desenvolver uma prática lado privado falhou, mantendo sua família na pobreza perenes. Eles se mudaram com freqüência de um plano sórdido para outro. Munch primeiros desenhos e aquarelas retratado esses interiores, e os objetos individuais, tais como frascos de medicamentos e utensílios de desenho, além de algumas paisagens. Por sua adolescência, arte dominada Munch interesses. Aos treze anos, Munch teve seu primeiro contato com outros artistas na recém-formada Associação de Arte, onde admirou o trabalho da escola paisagem norueguesa. Ele voltou para copiar as pinturas, e logo ele começou a pintar a óleo.

Estudos e influências

Em 1879, Munch matriculados em uma escola técnica para estudar engenharia, onde se destacou em física, química e matemática. Ele aprendeu desenho em escala e perspectiva, mas doenças freqüentes interrompido seus estudos. No ano seguinte, para grande decepção de seu pai, Munch deixou a faculdade determinado a se tornar um pintor. Seu pai viu a arte como um "comércio profano", e seus vizinhos reagiu amargamente e lhe enviou cartas anônimas. Em contraste com o pietismo raivosos de seu pai, Munch adotado uma postura dogmática em direção de arte, escrevendo em seu diário o seu objetivo simples: ". Na minha arte eu tento explicar a vida e seu significado para mim"

Em 1881, Munch se matriculou na Escola Real de Arte e Design de Kristiania, um de cujos fundadores era seu parente distante Jacob Munch. Seus professores foram escultor Júlio Middelthun pintor e naturalista Christian Krohg. Naquele ano Munch demonstrou sua rápida absorção de seu treinamento figura na Academia em seus primeiros retratos, incluindo uma de seu pai e seu primeiro auto-retrato. Em 1883, Munch participou de sua primeira exposição pública e dividiu um estúdio com outros estudantes. Seu retrato de corpo inteiro de Karl-Jensen Hjell, um notório boêmio-sobre-cidade, ganhou uma resposta desdenhosa crítico: "É o impressionismo levado ao extremo. É uma paródia de arte ". Munch pinturas de nus a partir deste período sobreviver apenas em esboços, exceto para Nudez Standing (1887), talvez confiscado por seu pai.

Durante estes primeiros anos de sua carreira, Munch experimentou diversos estilos, incluindo Naturalismo e Impressionismo. Algumas primeiras obras são uma reminiscência de Manet. Muitas destas tentativas trouxe críticas desfavoráveis ​​da imprensa e lhe rendeu reprimendas constantes por seu pai, que mesmo assim lhe proporcionou pequenas quantias para despesas de subsistência. Em um ponto, no entanto, Munch é o pai, talvez influenciados pela opinião negativa de Munch é primo de Edvard Diriks (um pintor, criado tradicional), destruiu pelo menos uma pintura (provavelmente um nu) e se recusou a avançar mais dinheiro para materiais de arte.

Munch também recebeu a ira de seu pai para o seu relacionamento com Hans Jaeger, o niilista locais que viveram pelo código "uma paixão de destruir é também uma paixão criativa" e defendeu que o suicídio como a melhor forma de liberdade. Munch ficou sob sua malévola, feitiço anti-establishment. "Minhas idéias desenvolvidas sob a influência dos boêmios ou melhor, sob Hans Jaeger. Muitas pessoas erroneamente alegou que minhas idéias foram formados sob a influência de Strindberg e os alemães ... mas isso é errado. Eles já tinham sido formadas até então. "Naquele tempo, ao contrário de muitos dos boêmios outros, Munch ainda era respeitoso com as mulheres, bem como reservados e bem-educado, mas ele começou a ceder à bebedeira e brigas de seu círculo. Ele estava inquieto com a revolução sexual em curso na época e pelas mulheres independentes em torno dele. Mais tarde, ele voltou cínica sobre questões sexuais, expressa não só em seu comportamento e sua arte, mas em seus escritos, assim, um exemplo de ser um longo poema chamado A Cidade do Amor grátis. Ainda dependente de sua família por muitas de suas refeições, Munch relacionamento com seu pai continuou tensa preocupações sobre sua vida boêmia.

Depois de inúmeras experiências, concluiu que Munch o idioma impressionista não permitia expressão suficiente. Ele achou superficial e muito semelhante a experimentação científica. Ele sentiu a necessidade de ir mais fundo e explorar situações repleto de conteúdo emocional e energia expressiva. De acordo com Jaeger mandamento de que Munch deve "escrever a sua vida", o que significa que Munch deve explorar seu próprio estado emocional e psicológico, Munch iniciou um período de reflexão e auto-exame, registrando seus pensamentos em seu "diário da alma". Esta perspectiva mais profunda ajudou a movê-lo para uma nova visão de sua arte. Ele escreveu que sua pintura A Criança Doente (1886), baseado na morte de sua irmã, era a sua "pintura alma" em primeiro lugar, sua primeira ruptura do Impressionismo. A pintura recebeu uma resposta negativa dos críticos e de sua família, e fez outra "violenta explosão de indignação moral" da comunidade. Apenas seu amigo Christian Krohg defendeu:

Ele pinta, ou melhor, que diz respeito, as coisas de uma maneira que é diferente da de outros artistas. Ele vê apenas o essencial, e que, naturalmente, é tudo o que ele pinta. Por esta razão Munch imagens são, em regra "não completa", como as pessoas são tão encantada ao descobrir por si mesmos. Oh, sim, eles são completos. Sua obra completa. A arte é completa uma vez que o artista tem realmente disse tudo o que estava em sua mente, e esta é precisamente a vantagem Munch tem sobre pintores da outra geração, que ele realmente sabe como nos mostram o que ele sentiu, e que tomou conta dele, e para isso ele subordina tudo mais.

Munch continuou a empregar uma variedade de técnica pincelada e paletas de cores em todo o 1880 e 1890 enquanto ele lutava para definir seu estilo. Seu idioma continuou a veer entre naturalistas, como visto no retrato de Hans Jaeger, e impressionista, como na Rue Lafayette. Sua Inger On the Beach (1889), o que causou uma outra tempestade de confusão e controvérsia, sugere a formas simplificadas, contornos pesados, grandes contrastes, e conteúdo emocional de seu estilo maduro para vir. Ele começou a calcular cuidadosamente suas composições para criar tensão e emoção. Embora estilisticamente influenciados pelo pós-impressionistas, o que evoluiu foi um assunto que foi simbolista em conteúdo, retratando um estado de espírito ao invés de uma realidade externa. Em 1889, Munch apresentou seu show one-man de quase todas as suas obras até à data. O reconhecimento que recebeu levaram a uma bolsa do estado de dois anos para estudar em Paris, sob pintor francês Léon Bonnat.

Paris

Munch chegou em Paris durante as festividades da Exposição Universal (1889) e salas com dois colegas artistas noruegueses. Sua imagem da Manhã (1884) foi exibido no pavilhão da Noruega. Ele passou suas manhãs no estúdio ocupado Bonnat (que inclui ao vivo modelos femininos) e à tarde na exposição, galerias e museus (onde os alunos foram para fazer cópias). Munch gravado pouco entusiasmo para desenhar Bonnat de lições "É pneus e me entedia-é-mas gostava numbing'' comentário do mestre durante as viagens de museu.

Munch ficou fascinado com a tela grande da arte moderna européia, incluindo as obras de três artistas que provaria influentes: Paul Gauguin, Vincent van Gogh, e Henri Toulouse-Lautrec, todos notáveis ​​pela forma como utiliza a cor para expressar emoções. Munch foi particularmente inspirado por "reação contra o realismo" de Gauguin e seu credo de que "a arte era obra humana e não uma imitação da Natureza", uma crença já foi afirmado por Whistler. Como um dos seus amigos de Berlim declarou mais tarde sobre Munch, "ele não precisa fazer o seu caminho para o Taiti para ver e experimentar o primitivo na natureza humana. Ele carrega a sua própria Tahiti dentro dele. "

Em dezembro daquele ano, seu pai morreu, deixando a família destituída Munch. Voltou para casa e arranjou um grande empréstimo de um rico colecionador norueguês quando os parentes ricos não ajuda, e assumiu a responsabilidade financeira para a sua família a partir de então. Morte cristã está deprimido e ele foi atormentado por pensamentos suicidas: "Eu vivo com os mortos-minha mãe, minha irmã, meu avô, meu pai ... Mate-se e depois acabou. Por que viver? "Munch pinturas do ano seguinte incluiu cenas taverna sketchy e uma série de paisagens brilhantes em que ele experimentou com o estilo pontilhista de Georges Seurat).
Berlim
Em 1892, Munch formulou sua característica, e estético, original Synthetist, como visto na melancolia, em que a cor é o elemento símbolo-laden. Em 1892, a União dos Artistas de Berlim convidou Munch para expor na sua exposição novembro, a exposição da sociedade one-man. No entanto, suas pinturas evocado amarga controvérsia (apelidado de "The Affair Munch") e depois de uma semana a exposição fechado. Munch ficou satisfeito com a "grande comoção", e escreveu em uma carta: ". Nunca tive uma hora tão-lo um divertido é incrível que algo tão inocente como a pintura deveria ter criado uma celeuma tal"

Em Berlim, Munch envolveu-se em um círculo internacional de escritores, artistas e críticos, incluindo o dramaturgo sueco e líder intelectual August Strindberg, que ele pintou em 1892. Durante os quatro anos em Berlim, Munch esboçou a maioria das idéias que compõem sua obra principal, The Frieze of Life, primeiro projetado para ilustração de livros, mas mais tarde expressas em pinturas. Vendeu pouco, mas fez algumas receitas de cobrar taxas de entrada para ver suas pinturas controversa. Já, Munch estava mostrando uma certa relutância em parte com suas pinturas, que ele chamou de seus "filhos".

Suas pinturas, incluindo cenas de casino, mostram uma simplificação da forma e detalhe que marcou seu estilo no início maduro. Munch começou também a favor de um espaço pictórico rasas e um pano de fundo mínimo para suas figuras frontal. Desde poses foram escolhidos para produzir as imagens mais convincente de estados de espírito e condições psicológicas, como em Cinzas, os números dão uma qualidade monumental estática. Munch figuras parecem desempenhar papéis em um palco de teatro (Morte no quarto do doente), cuja pantomima de posturas fixas significar várias emoções, já que cada personagem encarna uma única dimensão psicológica, como em O Grito, de Munch homens e mulheres aparecem agora mais simbólico do que realista. Ele escreveu: "Já não deve ser pintado interiores, pessoas lendo e mulheres tricotando: haveria pessoas vivas, respirando e sentindo, sofrendo e amando."

O Grito
Ver artigo principal: The Scream

O Grito (1893) Pintado em 1893, O Grito é Munch obra mais famosa e uma das pinturas mais conhecidas em toda a arte. Tem sido amplamente interpretada como representando a ansiedade universal do homem moderno. Pintado com bandas largas de cor berrante e formas altamente simplificada, e empregando um ponto de vista elevado, a figura agonizante é reduzido a uma caveira vestida no meio de uma crise emocional. Com esta pintura, Munch encontrou seu objetivo declarado de "estudo da alma, isto é, o estudo do meu próprio eu". Munch escreveu sobre como a pintura passou a ser:

Eu estava andando pela rua com dois amigos quando o sol se pôs, e de repente, o céu ficou vermelho como sangue. Parei e me encostei na cerca, sensação indescritivelmente cansado. Línguas de fogo e sangue esticada sobre o fiorde preto azulado. Meus amigos foram andando, enquanto eu estava atrás, tremendo de medo. Então eu ouvi o grito enorme, infinito da natureza.

Mais tarde, ele descreveu a angústia pessoal por trás da pintura ", por vários anos eu estava quase louco ... Você sabe a minha foto,''The Scream?''Eu estava esticada até ao limite natureza estava gritando no meu sangue ... Depois disso eu desisti esperança de sempre ser capaz de amar novamente. "

Ao resumir a pintura de impacto autora Martha Tedeschi afirmou:

Mãe de Whistler, American Gothic Wood, Mona Leonardo da Vinci e Edvard Munch O Grito, todos alcançaram algo que a maioria pinturas, independentemente da sua importância arte histórica, beleza ou valor monetário, não: eles se comunicam um significado específico, quase imediatamente a quase cada espectador. Esses poucos trabalhos fizeram com sucesso a transição do reino elite do visitante do museu para o local enorme da cultura popular.

Frieze of Life - um poema sobre Vida, Amor e Morte

Em dezembro de 1893, Unter den Linden em Berlim realizou uma exposição de Munch de trabalho, mostrando, entre outras peças, seis pinturas intituladas de estudo para uma série: o amor. Isto começou um ciclo mais tarde chamou a Frieze of Life - um poema sobre Vida, Amor e Morte. "Frieze of Life" motivos, tais como A Tempestade e luar são embebidos na atmosfera. Outros motivos iluminar o lado noturno do amor, como Rose e Amelie e Vampire. Em Morte no Sickroom, o assunto é a morte de sua irmã Sophie, que ele re-fez em muitas variações futuras. O foco dramático da pintura, retratando toda a sua família, está dispersa em uma série de números separados e desconectados de tristeza. Em 1894, ele aumentou o espectro de motivos, acrescentando Ansiedade, Ashes, Madonna e mulheres em três etapas (da inocência à idade).

Por volta da virada do século, Munch trabalhou para terminar a "Frieze". Ele pintou uma série de imagens, várias delas no formato maior e até certo ponto com a estética Art Nouveau do tempo. Ele fez uma moldura de madeira esculpida com relevos para o metabolismo grande pintura (1898), inicialmente chamado de Adão e Eva. Este trabalho revela Munch preocupação com a "queda do homem" mito e sua filosofia pessimista do amor. Motivos, tais como A Cruz Vazia e do Gólgota (ambos c. 1900) refletem uma orientação metafísica, e também echo Munch educação pietista. A Frieze inteiro mostrou pela primeira vez na exposição secessionistas em Berlim em 1902.

"O Friso da Vida" temas se repetem ao longo Munch de trabalho, mas encontram sua mais forte manifestação na mid1890 é. Em desenhos, pinturas, pastéis e estampas, ele bate as profundezas de seus sentimentos para examinar seus motivos principais: os estágios da vida, a femme fatale, a desesperança do amor, e ansiedade, infidelidade, ciúmes, humilhação sexual, e separação na vida temas death.These encontrar expressão em pinturas como A Criança Doente (1885), Amor e Dor (1893-94), Cinzas (1894) e A Ponte. A última mostra figuras limp com rostos sem feições ou ocultos, sobre a qual tear as formas ameaçando de árvores pesadas e casas ninhada. Munch retratava as mulheres, quer como frágeis, sofredores inocentes (ver Puberdade e Amor e Dor) ou como a causa de grande anseio, ciúme e desespero (ver Separação Jealousy, e Ashes).

Munch freqüentemente usa sombras e anéis de cor em torno de suas figuras para enfatizar uma aura de medo, ameaça, ansiedade, ou a intensidade sexual. Estas pinturas têm sido interpretadas como reflexos das ansiedades sexual do artista, embora ele também poderia se argumentar que eles são a melhor representação de sua relação turbulenta com o próprio amor e seu pessimismo generalizado sobre a existência humana. Muitos desses desenhos e pinturas foram feitas em várias versões, como Madonna, Mãos e puberdade, e também transcrito como madeira-obstrui estampas e litografias. Munch odiava a participar com suas pinturas, porque ele pensou em seu trabalho como um único corpo de expressão. Portanto, para capitalizar sobre sua produção e fazer alguma renda, ele se virou para as artes gráficas para reproduzir muitos dos seus quadros mais famosos, incluindo os desta série.

Munch admitiu aos objetivos pessoais de seu trabalho, mas ele também ofereceu a sua arte a um propósito mais amplo, "Minha arte é realmente uma confissão voluntária e uma tentativa de explicar a mim mesmo minha relação com a vida é, portanto, na verdade, uma espécie de egoísmo , mas eu estou constantemente na esperança de que através deste eu possa ajudar os outros a alcançar a clareza. "

Ainda atrair reações fortemente negativas, em 1890, Munch começou a receber alguma compreensão de seus objetivos artísticos, como um crítico escreveu: "Com o desprezo cruel para o formulário, clareza, elegância, integridade e realismo, ele pinta com força intuitiva de talento visões mais sutis da alma. "Um de seus grandes apoiadores em Berlim foi Walter Rathenau, mais tarde, o ministro alemão das Relações Exteriores, que muito contribuíram para seu sucesso.

Paris e Christiana

A Criança Doente (1907) Em 1896, Munch se mudou para Paris, onde se concentrou em representações gráficas de sua "Frieze of Life" temas. Ele ainda desenvolveu sua técnica de xilogravura e litografia. Munch Auto-Retrato com Arm Skeleton (1895) é feito com um método de agulha e tinta de gravura usado também por Paul Klee. Munch também produziu multi-coloridas versões de "A Criança Doente", que vendeu bem, assim como nudes várias e várias versões de Kiss (1892) Muitos dos críticos parisienses ainda considerado Munch de trabalho "violento e brutal", mas suas exposições recebeu séria atenção e bom atendimento. Sua situação financeira melhorou consideravelmente e em 1897, Munch comprou uma casa de veraneio, cabine de um pescador pequeno é construído no final dos anos 1700, na pequena cidade de Åsgårdstrand na Noruega. Ele apelidou esta casa o "Happy House" e voltou aqui quase todos os verões para os próximos 20 anos.

Munch voltou a Christiana, em 1897, onde também recebeu a aceitação relutante, onde um crítico escreveu: "Um número razoável de essas imagens foram exibidas antes. Na minha opinião essas melhorar conhecido. "Em 1899, com a idade de 34, Munch começou um relacionamento íntimo com Tulla Larsen, um" libertado "mulher de classe alta. Eles viajaram para a Itália juntos e ao retornar. Munch começou um novo período fértil em sua arte, que inclui paisagens e sua pintura final no "The Frieze of Life" série, A Dança da Vida (1899). Ela estava ansiosa para o casamento, e Munch pediu off. A bebida e problemas de saúde reforçou os seus medos, como ele escreveu na terceira pessoa: "Desde que ele era uma criança que tinha odiado casamento. Sua casa doente e nervoso lhe dera a sensação de que ele não tinha direito de se casar. "Munch quase cedeu à Tulla, mas fugiu de sua em 1900, também se afastando de sua considerável fortuna, e se mudou para Berlim. Sua Meninas no Jetty, criado em dezoito versões diferentes, demonstrou o tema da juventude feminina, sem conotações negativas. Em 1902, ele exibiu seus trabalhos tematicamente no salão da Sucessão de Berlim, produzindo "uma sinfônica efeito que fez um grande agitar-um monte de antagonismo e um monte de aprovação." Os críticos de Berlim foram começando a apreciar Munch de trabalho, mesmo embora o público ainda achou o seu trabalho alheio e estranho.

A boa cobertura da imprensa ganhou a atenção de Munch influentes patronos Albert Kollman e Max Linde. Ele descreveu o rumo dos acontecimentos em seu diário: "Após 20 anos de luta e miséria forças do bem, finalmente, vir em meu auxílio na Alemanha e uma porta brilhante se abre para mim." No entanto, apesar desta mudança positiva, Munch é auto-destrutivo e comportamento errático envolveu-o primeiro com uma violenta discussão com outro artista, então com um tiro acidental na presença de Tulla Larsen, que havia retornado de uma breve reconciliação, que feriu dois de seus dedos. Ela finalmente deixou e se casou com uma jovem colega de Munch. Munch tomou isso como uma traição, e ele morava na humilhação por algum tempo para vir, canalizando o azedume em pinturas novas. Suas pinturas Still Life (A Assassina) e A Morte de Marat I, feito em 1906-7, de forma clara referência ao incidente de tiro e depois o emocional efeitos.

Em 1903-4, Munch exibidos em Paris, onde o fovismo vinda, famosa por suas cores corajosamente falsos, provavelmente viu as suas obras e pode ter encontrado inspiração neles. Quando o Fauves realizaram a sua própria exposição, em 1906, Munch foi convidado e exibido seus trabalhos com a deles. Depois de estudar a escultura de Rodin, Munch pode ter experimentado com plasticina como uma ajuda para projeto, mas ele produziu pouca escultura. Durante este tempo, Munch recebeu muitas encomendas para retratos e gravuras que melhorou sua condição financeira precária normalmente. Depois de um período anterior de paisagens, em 1907, ele voltou sua atenção novamente para figuras humanas e situações.

Degradação e recuperação

No entanto, no Outono de 1908, Munch ansiedade, agravada pelo consumo excessivo e brigas, tornou-se aguda. Como ele escreveu depois, "Minha condição foi beirando a loucura era touch and go". Sujeito a alucinações e sentimentos de perseguição, ele entrou na clínica do Dr. Daniel Jacobson. A terapia Munch recebidos para os próximos oito meses de dieta e incluiu "eletrificação" (um tratamento, então em moda para problemas nervosos, para não ser confundida com a eletroconvulsoterapia). Munch é ficar no hospital estabilizou sua personalidade, e após o retorno para a Noruega em 1909, seu trabalho tornou-se mais colorido e menos pessimista. Seu retrato do professor Jacobson, feito em 1909, é um dos Munch é o melhor. Ainda mais brilho seu humor, o público em geral de Christiana finalmente aquecido ao seu trabalho, e os museus começaram a comprar suas pinturas. Foi feito um Cavaleiro da Ordem Real de St. Olav "para serviços em arte". Sua primeira exposição norte-americana foi em 1912 em Nova York.

Como parte de sua recuperação, Dr. Jacobson aconselhou Munch apenas socializar-se com bons amigos e evitar beber público. Munch seguiu este conselho e, no processo produziu diversos retratos de corpo inteiro de alta qualidade de amigos e patronos-retratos honestos desprovidas de lisonja. Ele também criou paisagens e cenas de pessoas em trabalhar e jogar, usando um novo estilo otimista de largo, pinceladas soltas de cores vibrantes com o uso frequente de espaço em branco e usar rara de preto, com apenas referências ocasionais de volta para sua temas mórbidos. Com mais renda, Munch foi capaz de comprar várias propriedades dando-lhe novas perspectivas para a sua arte e ele foi finalmente capaz de sustentar sua família.

A eclosão da Primeira Guerra Mundial, encontrou Munch com lealdades divididas, como ele declarou: "Todos os meus amigos são alemães, mas é a França que eu amo." Nos anos 1930, seus patronos alemã, muitos judeus, perderam suas fortunas e algumas suas vidas durante a ascensão do movimento nazista. Munch norueguês encontrou impressoras para substituir os alemães que tinham sido a sua impressão gráfica work.Given sua história de saúde pobre, durante 1918 Munch sentiu-se a sorte de ter sobrevivido a um ataque da gripe "espanhola", pandemia mundial desse ano.

Anos depois

Munch passou a maior parte de suas últimas duas décadas na solidão em sua propriedade quase auto-suficiente em Ekely, no Skøyen, Oslo. Muitas de suas pinturas tarde celebrar a vida agrícola, incluindo muitos que ele usou seu trabalho cavalo "Rousseau", como um modelo. Sem qualquer esforço, Munch tinha um fluxo constante de modelos femininos, alguns dos quais ele pode ter tido relações sexuais com, e quem foram os temas de inúmeras pinturas de nus. Munch, ocasionalmente, deixou sua casa para pintar murais em comissão, incluindo aqueles feitos para a fábrica de chocolate Freia.

Para o fim de sua vida, Munch continuou a pintar impiedosa auto-retratos, acrescentando ao seu ciclo de auto-busca de sua vida e sua série de instantâneos inabalável de seus estados emocionais e físicos. Na década de 1930 e 1940, os nazistas rotulados Munch de trabalho "arte degenerada" (junto com Picasso, Paul Klee, Matisse, Gauguin e muitos outros artistas modernos) e tirou 82 obras de museus alemães. Hitler anunciou, em 1937, "Para todo o cuidado que nós, aqueles pré-históricos de pedra bárbaros Idade cultura e arte-gagos podem retornar às cavernas de seus ancestrais e não pode aplicar suas internacional primitiva coçar." Esse Munch profundamente magoado, que tinha vindo a sentir na Alemanha era a sua segunda pátria.

Em 1940, os alemães invadiram a Noruega e do partido nazista assumiu o governo. Munch foi 76 anos de idade. Com quase uma coleção inteira de sua arte no segundo andar de sua casa, Munch vivia com medo de um confisco nazista. Setenta e uma das pinturas anteriormente tomadas pelos nazistas tinham encontrado seu caminho de volta para a Noruega por meio de compra por colecionadores (as outras onze não foram recuperados), incluindo O Grito e A Criança Doente, e eles também estavam escondidas dos nazistas.

Munch morreu em sua casa em Ekely perto de Oslo em 23 de janeiro de 1944, cerca de uh
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Эдвард Мунк (Норвежский произношение: 12 декабря 1863 - 23 января 1944) был норвежский художник символист, гравер и важным предшественником экспрессионистских искусства. Его самые известные композиции, Scream, является частью серии Фриз Жизни, в которой Мунк изучить темы жизни, любви, страха, смерти и меланхолии. Детство Эдвард Мунк родился в дерев...
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爱德华蒙克(挪威发音:1863年12月12日 - 1944年1月23日)是一个挪威的象征主义画家,版画家和表现主义艺术的重要先驱。他最知名的成分,“呐喊”,是一系列生命的腰线,在这蒙克探索生活的主题,爱情,恐惧,死亡和忧郁一部分。 童年 爱德华蒙克出生于一个质朴的农舍,挪威Løten ådalsbruk村基督教蒙克,一个牧师的儿子。基督教是一个医生和医疗人员,已婚,一名女子在1861年,他的年龄的一半劳拉Cathrine Bjølstad。爱德华有一个姐姐,约翰梁刘柔芬(1862年出生),和三个弟妹:安德烈亚斯彼得(生于1865年),劳拉Cathrine(生于1867年),和英格玛丽(生于1868年)。梁刘柔芬和爱德华似乎从他们的母亲继承他们的艺术才华。爱德华蒙克有关画家雅各布蒙克(1776...
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エドヴァルドムンク(ノルウェー語の発音を:12 1863年12月 - 1944年1月23日)はノルウェーの記号学者ペインター、版画家と表現主義美術の重要な先駆者だった。彼の最も有名な物、スクリームは、生命、愛、恐怖、死、そして哀愁のテーマを探求ムンクれる、生命のフリーズシリーズの一部です。 小児期 エドヴァルドムンクは、キリスト教、司祭の息子をムンクにLøten、ノルウェーのådalsbrukの村で素朴な農家に生まれた。キリスト教は1861年にローラCathrine Bjølstad、女性半分を年齢、結婚医師と医官だった。ピーターアンドレアス(1865年生まれ)、ローラCathrine(1867年生まれ)、およびインガーマリー(1868年生まれ):エドは姉、Johanneソフィー(1862年...
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A-8XXU4K----PT-
O Grito, Petróleo por Edvard Munch (1863-1944, Norway)
/Art.nsf/O/8XXU4K/$File/Edvard-Munch-The-Scream-3-.JPG
o grito ( Norueguês : Skrik ) é o popular nome dado para cada um dos quatro versões de um composição , criado como ambos pinturas e pastéis , pelo Expressionista luscious edvard munch entre 1893 e 1910 . der schrei der natur ( o grito da natureza ) é o título munch deu para estes trabalho , tudo de qual programa uma figurativo com uma agonizado expressão contra um paisagem com uma tumultuoso céu alaranjado . A paisagem no fundo é o Oslofjord , visto a partir de Ekeberg , Oslo , Noruega . edvard munch criado os quatro versões em vários meios de comunicação . o nacional Galeria , Oslo , detém um de dois pintado versões ( 1893 , mostrado à direita ) . o Munch Museu detém o outra pintada versão ( 1910 , achar galeria ) e um pastel versão a partir de 1893 . Estes três versões não tem viajei por anos . O quarto versão ( pastel , 1895 ) foi vendido para $119 , 922 , 600 na Sotheby's Impressionista e moderno leilão de arte sobre 2 Maio 2012 para financiador leon Preto , o mais alto nominal preço pago para um pintura na almoeda . A pintura é de na tela no Museu de arte moderna em novo Iorque para seis meses a partir de Outubro 2012 para março 2013 . Também 1895 , Munch criado uma litógrafo pedra do imagem . Do litógrafo as impressões produzidas em Munch , vários exemplos sobreviver . Apenas cerca de quatro dúzia as impressões eram feito antes de original de pedra foi ressurgiu pelo impressora polegadas Munch's ausência . o grito foi o alvo de várias high-profile roubos de arte . Polegadas 1994 , a versão no galeria nacional foi roubado . Ele era recuperado vários meses mais tarde . Polegadas 2004 , tanto o Gritar e Madona foram roubado do Munch Museu , e recuperado dois anos mais tarde .
Edvard Munch
Petróleo
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